Origen del término
El término barroco se tomó de la arquitectura (donde designaba algo «retorcido», una construcción «pesada, elaborada,
envuelta», siendo el significado original del término un lusismo que describía una perla
deformada o joya falsa). En el siglo XVIII se lo usó en sentido
peyorativo para describir las características del género musical del siglo
anterior, que se consideraba «tosco, extraño, áspero y anticuado».
Características
El género hoy llamado "barroco" se caracteriza estéticamente por
la preeminencia de lo emocional sobre lo racional, por el género vocal recitativo, en el cual
el ritmo de la palabra determina el discurso melódico -donde "la música ha
de ser sirviente de la poesía"- y por un auge de la música instrumental
pura, es decir, sin relación con consideraciones ideológicas que se deriven de
un texto, o funcionales como en el caso de la música de danza.
En esta época se desarrollan la sonata, el concerto grosso y el ballet francés.
A diferencia de épocas anteriores, la música sacra y la música profana
conviven armoniosamente, formando parte de la profesión musical. La mayor
permisividad estética lleva a que la interpretación musical tienda a enriquecer
las partes mediante una profusión de ornamentos y recursos expresivos. Una
característica importante fue que los detalles del arte en el Barroco no se
aplicaron a la música. Se buscó en un principio desechar las complicadas líneas
melódicas de la polifonía renacentista para dar lugar a la homofonía (más tarde
la polifonía recuperará con Bach todo el esplendor que la había caracterizado),
dando de esta manera más fortaleza y protagonismo al texto, pues la música
giraba en torno a una sola melodía bien formada y acompañada por acordes, para
que fuera "entendible" el texto. Esto fue debido en gran parte a la
corriente humanista.
Tienen gran importancia la teoría de los afectos, que considera a la música como creadora de emociones, y la retorica, que transfiere
conceptos de la oratoria tradicional a la composición del discurso musical del
Barroco.
El Barroco temprano (1600-1650)
Este período es conocido como el seicento: alrededor del año 1600 se
destaca en la historia de la música un compositor de inusual talento, Claudio Monteverdi Fue un
maestro de los dos géneros entonces preponderantes: la prima practica o el polifónico género madrigal o recitativo de la música vocal solista. Compuso una de sus obras de Calahorra
más famosas, el "Lamento
d'Arianna", tanto en versión polifónica como en versión para
solista y bajo continuo. Monteverdi y Antonio Vivaldi fueron los
dos compositores estudiados más asiduamente por Johann Sebastian
Bach.
La seconda prattica, un subgénero de monodia
acompañada, esto es, una o varias voces solistas y bajo continuo,
caracteriza la música de este período.
El Barroco medio (1650-1700)
El Barroco medio es el lapso comprendido entre 1650 y 1700; en él
sobresalían el compositor inglés Henry Purcell (1659 -
1695) y su contemporáneo alemán Johann Pachelbel (1653 -
1706).
El Barroco tardío (1700-1750)
El Barroco tardío va entre 1700 y 1750 (aproximadamente) y sus compositores
característicos son: en España Domenico Scarlatti, en
Italia Antonio Vivaldi, en Inglaterra Georg Friedrich
Händel, en Alemania Johann Sebastian Bach y en Francia Jean Philippe
Rameau.
La transición al Clasicismo (1740-1770)
A finales del Barroco hay varias tendencias estéticas: el galante
francés desde 1730, el desarrollo en Italia de la ópera buffa, la sonata y la sinfonía y el Rococó; ello conforman una
suerte de preclasicismo.
Carl Philipp
Emanuel Bach (1714-88), uno de los hijos de Johann Sebastian, es
considerado el padre de la sonata clásica.
El auge de la música instrumental
La música
instrumental, que en la época anterior dio el primer asomo en la música académica,
tiene un auge sin precedentes en los siglos XVII-XVIII; por primera vez en la
historia, la música vocal e instrumental están en plena igualdad. La música
instrumental alcanzó su primera madurez, hay un gran florecimiento en géneros,
técnicas, intérpretes y compositores que se acercaban a un profundo
conocimiento de los instrumentos.
El cultivo de la música puramente instrumental llevó a un importante
desarrollo de la técnica, al servicio de una fuerte expresión emocional. Se
destacó el caso del violinista Arcangelo Corelli quien,
según el testimonio de François
Raguenet, cuando tocaba en público "perdía el dominio de sí
mismo", tenía los ojos enrojecidos y, pese a todo esto, lograba expresarse
a la perfección.
Sonata, Cantata, toccata
La sonata barroca
—que no debe ser confundida con la sonata clásica
de forma sonata—
denota una composición para uno o dos instrumentos de cuerda o viento y bajo continuo, dividida en
tres o cuatro movimientos de carácter contrastante, habitualmente allegro-adagio-allegro
(sonata da camera)
o adagio-allegro-adagio-allegro (sonata da chiesa). La
alternativa contrastante de movimientos sucesivos es herencia de la suite o serie de
movimientos de danza, que habitualmente alternaban una danza baja o de
paso, más lenta —como la pavana—
con otra alta o de salto, más rápida —como la gallarda.
De un modo equivalente a la sonata, la cantata es una composición
para canto solista y bajo continuo, cuya estructura habitual es recitativo-aria da capo. El
equivalente en la música para instrumentos de teclado es la toccata.
El Barroco fue una época de esplendor para muchos instrumentos, como por
ejemplo el violín,
el clavecín y el órgano, se cultivó
intensamente la música de cámara
para grupos instrumentales con acompañamiento de bajo continuo.
También aparecen intérpretes virtuosos que por su gran destreza técnica
explotan al máximo el instrumento, como Johann Sebastian
Bach y Dietrich
Buxtehude en el caso del órgano;
Domenico
Scarlatti, Jean Philipe
Rameau y François
Couperin al clavecín;
Gottfried Reiche
(1660-1734) a la trompeta;
y Antonio Vivaldi,
Arcangelo
Corelli y Giuseppe Torelli
en el violín.
La Triosonata o sonata en trío
La heredera del género polifónico renacentista y la principal forma de
cámara del Barroco es una sonata para dos instrumentos agudos (frecuentemente
violines), uno bajo, y el continuo, (el clavecín en la sonata da camera
y el órgano en la sonata da chiesa) que era el encargado de completar
las armonías, de modo que la triosonata requiere cuatro ejecutantes,
pues la línea del bajo era interpretada por la viola de gamba, el bajón o un
instrumento similar y el continuo doblaba esta línea y realizaba el
"relleno armónico". Se destacan las obras de Corelli, Pergolesi, Sammartini,
Händel, Buxtehude y Bach.
El concerto grosso
A mediados del seicento, se convierte en el género instrumental más
típico de la época. A diferencia de la música de cámara, cada parte es
ejecutada por más de un instrumento, como ocurre típicamente en la orquesta. La ejecución a
tutti alterna con pasajes a soli a la manera de la triosonata.
Importantes centros del género instrumental concertante son Módena, Bolonia y Venecia.
Importantes centros del género instrumental concertante son Módena, Bolonia y Venecia.
La época dorada del clavecín, la viola da gamba y
el órgano
En esta época, el clavecín,
el órgano,
la viola da gamba
y el laúd vivieron su gran
época dorada a nivel técnico, interpretativo y compositivo. La etapa final del
Barroco (1700-1750) será el cenit y el ocaso del clavecín y la viola da gamba
que en la segunda mitad del siglo XVIII caerán en el olvido y quedarán
totalmente relegados, ya en la época clásica, por sus descendientes, el violín,
el violonchelo y el forte-piano.
El laúd, el instrumento renacentista por excelencia, cayó en el olvido ya
por 1690-1700, desplazado por la guitarra y el clavecín. El órgano subsistirá
pero ya no con el auge anterior.
El órgano
El órgano tuvo ilustres exponentes en toda Europa en el principio del
período, donde su música empieza a conocer su edad dorada por su destacable
calidad.
En la primera mitad del siglo XVII, los compositores más destacados son:
•
Jan Pieterszoon
Sweelinck en Holanda
•
Girolamo
Frescobaldi en Italia
•
Samuel Schein H.
Schiedermann en Alemania
•
Correa de Arauxo
en España y
•
Jean Titelouze (1563-1633)
en Francia.
Hacia 1650, el órgano entra en decadencia en Italia y en los Países Bajos,
donde el instrumento no conocerá más compositores de talla internacional.
En la segunda mitad del siglo XVII, los compositores más destacados son: Dietrich Buxtehude
(1632-1707), que es el más notable en esta generación, Johann Pachelbel
(1653-1705) Georg Böhm
(1661-1733) Johann Caspar
Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y J. A. Reincken
(1623-1722) en Alemania François Couperin (1668-1733) en Francia Henry Purcell
(1659-95) en Inglaterra, y Juan Cabanilles
(1640-1712) en España.
A partir de 1710-20, el órgano también entra en decadencia en Francia, por
lo que en la última etapa del Barroco no habrá en ese país ningún compositor
notable.
En la primera mitad del siglo XVIII, la última etapa del Barroco, el órgano
vivirá su máximo esplendor en Alemania para después iniciar su decadencia a
partir de 1750 a nivel general. En Alemania J. S. Bach (1685-1750) representa
el máximo apogeo del órgano barroco, donde la Toccata y fuga en re menor
BWV 565 (1708) es la más famosa y conocida obra para este instrumento.
Son notables Antonio Soler
(1728-83) en España y en Inglaterra, desde 1712 G.F. Händel
(1685-1759), William Boyce
y Cristan Arne,
los tres por el concierto para órgano solista y cuerda.
El clavecín
Jean Philippe
Rameau, François
Couperin, Johann Sebastian
Bach, Georg Friedrich
Händel y Domenico
Scarlatti son los más destacables en el ámbito del clavecín de la
primera mitad del siglo XVIII, donde representan el máximo apogeo de la música
clavecinística barroca.
Rameau y Couperin son los más altos exponentes de la escuela francesa. Cabe
mencionar los 4 libros de órdenes (1713, 1717, 1722 y 1730) de Couperin y los
libros de suites (1706, 1724 y 1728) de Rameau, que es la cumbre de la música
barroca francesa para teclado.
Domenico Scarlatti es el más destacado representante de la música
italo-española para teclado, en especial por sus 555 sonatas, compuestas en la
Península Ibérica, que exprimen las posibilidades del instrumento creando una
obra variada, rica y compleja que destaca por el alcance de la modulación y un
cromatismo que se percibe en las tonalidades y ritmos, influidos por la música
popular española.
El alemán Händel es el máximo exponente del Barroco inglés para teclado.
Destacan entre su obra las 8 grandes Suites (1720), una de las cumbres de la
suite para teclado.
J. S. Bach es quizá el compositor más destacable de todo el período, donde
sus obras El clave bien
temperado (BWV 846-893), las Variaciones Goldberg BWV 988
y El arte de la fuga son un antes y un después de la música de teclado
en general y la cima de la literatura clavecinística barroca. Bach, aunque en
su época no fue muy reconocido, dejó tras de sí un gran repertorio de preludios
con fugas de suma importancia.
Los compositores
Italia
Giovanni
Gabrieli (1555-1612) es el principal exponente del Barroco
temprano. Su música contiene ya los elementos estilísticos esenciales de la
nueva época estética.
Claudio
Monteverdi (1567-1641) es el primer gran compositor del Barroco que
inauguró este nuevo género en Italia y Europa. Girolamo
Frescobaldi (1578-1643) tuvo gran importancia en el desarrollo de la
música para teclado, en particular por sus Toccatas para clavecín. A
mediados de siglo, sobresale Giovanni Legrenzi(1626-1690).
Arcangelo
Corelli (1658-1711), Giuseppe Torelli y Alessandro
Scarlatti (1660-1725) son los que dominan la escena nacional de la
segunda mitad del siglo XVII hasta principios del siglo XVIII.
Ya en la primera mitad del siglo XVIII, Antonio Vivaldi
(1675-1741), Domenico
Scarlatti (1685-1757) y Giuseppe Tartini
(1692-1770) son los que más sobresalen, representando la cumbre y ocaso barroca
de su país.
Alemania
La obra de
Bach está considerada la cumbre de la música barroca, cuyas "Pasión según
San Mateo" y el "Clave bien temperado" son cimas de la música
occidental.
El Barroco alemán empezó con la figura de Heinrich Schütz
(1585-1672), llamado el padre de la música alemana, el más notable en la
primera mitad del siglo XVII alemán. Johann Hermann
Schein (1586-1630), Samuel Scheidt (1587-1654)
y Michael
Praetorius (1571-1621), contemporáneos de Heinrich Schütz, también
son bastante notables en esta época.
En la segunda mitad del siglo XVII, Dietrich Buxtehude
(1637-1707) es el más sobresaliente, siendo en 1705 visitado por un joven Bach.
Johann Pachelbel
(1653-1706), Johann Jakob
Froberger (1616-67) y Georg Muffat (1653-1704) destacan asimismo.
Al cabo entre los siglos XVII y XVIII, Johann Kuhnau (1660-1722),
Johann Joseph
Fux (1660-1741), Johann Caspar Ferdinand Fischer (c. 1665-1746) y Georg Böhm
(1661-1733) son los más prominentes.
El Barroco alemán, y en general, culminó y dio su máxima madurez, esplendor
y cenit en la primera mitad del siglo XVIII con uno de los compositores más
importantes de la música universal, Johann Sebastian Bach (1685-1750), que
agotó todas las posibilidades de la música barroca. Su obra es la cumbre y
ocaso de la música barroca, y marca el fin del periodo en Alemania y en Europa.
Reinhard Keiser
(1674-1739), Johann Mattheson
(1681-1764), Johann Adolph
Hasse (1699-1783) y Carl Heinrich Graun
(1703-59) junto con un joven Händel (1685-1759) -hasta que en 1712 se fue a
Inglaterra- son los más destacables junto con Bach.
Georg Philipp
Telemann (1681-1767), junto con Bach, es el músico más importante
del Barroco tardío alemán, y marca igualmente el inicio de la transición de la
música barroca hacia la música clásica de la segunda mitad del siglo XVIII en
su país.
Inglaterra
En Inglaterra
el Barroco tarda en desarrollarse hasta la restauración de 1660, siendo John Blow (1649-1708) y su
alumno Henry Purcell
(1659-95) los más destacados e influyentes en la segunda mitad del siglo XVII.
En la primera mitad del siglo XVIII, Georg Friedrich
Händel (1685-1759), desde su llegada en 1712 al país, es el más
importante, destacable e influyente, siendo la cumbre del Barroco inglés y,
junto con Bach, el más importante del Barroco tardío.
Después de Händel, y ya siendo el ocaso nacional, a mediados del siglo
XVIII destacan Thomas Augustine
Arne (1710-78) y William Boyce
(1711-79) poniendo el punto final al Barroco inglés.
Francia
El género se consolida con Jean-Baptiste Lully
(1632-87), un italiano de nacimiento, que introduce la ópera en Francia, siendo
el más importante compositor nacional del siglo XVII en ese país. También
sobresale en el mismo siglo Marc Antoine
Charpentier (1640-1703), siendo el máximo rival de Lully.
Al cabo de los siglos XVII y XVIII, François
Couperin (1668-1733) es el más importante, siendo una de las cumbres
del Barroco francés. Louis Marchand
(1669-1732) también destaca, teniendo en 1717 un duelo musical con Bach.
Jean-Philippe
Rameau (1683-1764) es, junto con Couperin, la cumbre barroca
nacional y el cenit del género francés barroco en la primera mitad del siglo
XVIII, siendo en los últimos años testigo del cambio del Barroco al Clasicismo
en su país.
España
En España
sobresalieron Gaspar Sanz,
Juan Cabanilles, Antonio de Literes, el Padre Soler, Juan Hidalgo, Sebastián Durón,
José Marín,
José de Nebra,
Francisco
Corselli, José de Torres,
Jaime Facco,
Joaquín García
y Tomás de
Torrejón y Velasco
Por entonces vivieron en España, donde compusieron la mayor parte de sus
obras, los italianos Domenico
Scarlatti y Luigi Boccherini.
En las colonias españolas en América también hubo actividad musical, con
compositores -como el milanés Roque Ceruti-, cantantes, instrumentistas. Mucha
de esta música aún se conserva y ejecuta.
Los géneros y las formas
En los géneros del Barroco ya se percata una clara división en géneros
instrumentales y géneros vocales. En el Barroco, gracias al auge de la música
instrumental, los géneros instrumentales alcanzan su madurez y se crean los
primeros grandes géneros instrumentales: la sonata, el concierto y la suite.
En el ámbito de los géneros vocales, junto con los géneros antiguos del
motete y la misa, se crean tres importantes géneros que darán una época dorada
a los géneros vocales: La cantata, la ópera y el oratorio, siendo la ópera el
género vocal nuevo más importante del Barroco y uno de los de la música
académica.
Los géneros vocales
La ópera
Las corrientes humanistas buscaban una renovación del antiguo teatro
griego, en particular el grupo conocido como camerata florentina,
basándose al mismo tiempo en formas musicales recientes, como el drama litúrgico,
el drama pastoral,
las comedias madrigalescas con figuras de la commedia
dell'arte y los intermezzi
teatrales.
Les interesaba sobre todo la antigua monodia
helénica con acompañamiento de kithara.
Vincenzo Galilei,
padre de Galileo el
astrónomo, escribió en 1581 un tratado contra el género musical polifónico
neerlandés bajo el título Dialogo della Musica Antica e della Moderna.
Los géneros musicales recitativo, espressivo y representativo llevan
a nuevas libertades en los medios sonoros empleados en las composiciones -
disonancias y modulaciones.
Entre las primeras óperas conservadas se cuentan Dafne de Jacopo Peri, cuyo tema fue
tomado de las Metamorfosis
de Ovidio, Eurídice de Giulio Caccini y Orfeo
de Claudio
Monteverdi.
El motete
El motete se desarrolla en Europa desde épocas medievales relacionadas a la
antigua escuela francesa conocida como Ars antigua ,en donde sobresalieron
compositores como Leonin y Perotin. Este primer motete aún primitivo partía de
contraponer secciones con polifonía (aún en desarrollo) y secciones puramente
monódicas.
Si bien el primer motete fue de carácter puramente religioso, este género
tuvo un curioso devenir histórico llegando a escribirse motetes profanos
durante el "ars nova" y el Renacimiento, para luego volver a su
carácter eminentemente religioso en el Barroco. Como es lógico, este género se
fue adaptando a las características técnico-musicales de los diversos períodos
de la historia de la música, yendo así del motete medieval no funcional y
puramente polifónico interválico al motete tonal desarrollado en el Barroco.
Los géneros instrumentales
La sonata
La sonata es parte de la música barroca en el período medio. En esta actúan
de 6 a 8 ejecutantes que se destacan por tocar música preludiana.
Preludios, tocatas, fantasías y fugas
Artículo
principal: Toccata
Artículo
principal: Preludio
Artículo
principal: Fantasía
(música)
Artículo
principal: Fuga
Por regla general, si hay preludio, detrás va una fuga. Los preludios son
piezas de dos o tres páginas con una dosis de técnica. Son piezas expresivas,
cargadas y con libre interpretación, ya que los trinos y los ornamentos son libres
(los crea el propio ejecutante, sin que estén escritos). Las fugas suelen ser a
2, 3, 4 ó 6. Una fuga a dos voces significa que hay una voz con una célula (uno
o dos compases) que crea un motivo (una melodía) y al cabo de un tiempo la otra
voz lo imita. Una vez imitado, transpone
(cambia de tonalidad),
hace alguna variación o crea unas falsas repeticiones conocidas como puentes o
colas (repetición de la célula sin hacer el motivo completo, sino que
simplemente se repite la célula para cambiar, en la mayoría de los casos, de
tonalidad). Si una fuga es a tres voces, pasa lo mismo, pero el motivo debe de
repetirse tres veces (en voces distintas) y así sucesivamente (si es a cuatro
voces, cuatro veces se verá el motivo...).
La suite
Una suite es un conjunto de
movimientos o piezas agrupados.
La suite habitualmente tenía seis partes:
•
Allemande: pieza
cortesana.
•
Courante:
movimiento que generalmente es un poco más rápido que el anterior.
•
Zarabanda:
movimiento lleno de energía pero pausado.
•
Giga:
movimiento mucho más rápido y enérgico.
•
Minué: obra
parecida a un vals. La suite puede contener un par de minués.
•
Rondó: pequeña
obra basada en la repetición de un tema (A), con intrusiones de (B, C, D,
etc.).
Dentro de la suite, la música es digna, aristocrática, vigorosamente
rítmica y melódicamente rica, con esa reunión de variedad y decoro de encanto
italiano y gravedad teutónica, tan característica de esta época en Alemania.
Obras destacadas del Barroco
Obras destacadas del Barroco
Año
|
Obra
|
Compositor
|
1607
|
Orfeo
(ópera)
|
|
1635
|
Fiori
musicali
|
|
16--
|
Daniele
|
|
1640
|
Selva
morale e spirituale
|
Claudio
Monteverdi
|
1629-44
|
Symphoniae
Sacrae
|
|
1666
|
Pasión
según san Mateo
|
Heinrich
Schütz
|
1685
|
||
1689
|
||
1699
|
Hexacordum
apollinis
|
|
1700
|
Sonatas
para violín y bajo continuo op. 5
|
|
1680 c.
|
Johann
Pachelbel
|
|
1717
|
||
1720
|
8 grandes
suites
|
Georg
Friedrich Händel
|
1722
|
||
1722-44
|
Johann
Sebastian Bach
|
|
1724
|
Georg
Friedrich Händel
|
|
1725
|
||
1727
|
Pasión
según San Mateo
|
Johann
Sebastian Bach
|
1706-28
|
3 libros
de suites
|
|
1713-30
|
4 libros
de órdenes
|
|
1733
|
Música
para la mesa
|
|
1742
|
Georg
Friedrich Händel
|
|
1749
|
Georg
Friedrich Händel
|
|
1749-50
|
Johann
Sebastian Bach
|
|
1762
|
Georg
Philipp Telemann
|
Intérpretes contemporáneos de música barroca
En la actualidad la música barroca es interpretada por un gran número de
conjuntos musicales en todo el mundo, incluyendo aquellas que ejecutan una
amplia variedad de música clásica; existen, sin embargo, conjuntos que se han
especializado en música de este periodo, entre los que destacan Ars Antiqua
(Austria), Ars Rediviva (República Checa), Collegium Musicum Den Haag
(Holanda), Les Cyclopes (Francia), The Dufay
Collective (Inglaterra), Florilegium early music ensemble (Inglaterra),
Fretwork (Inglaterra),
Hannoversche Hofkapelle (Alemania), The Harp Consort (varios países), Hilliard Ensemble
(Inglaterra), Il Giardino
Armonico (Italia), L'Arpeggiata (Europa), Les Muffatti (Bélgica),
Musica Antiqua Köln (Alemania), Oni Wytars (varios países), Phantasm (Inglaterra), Red Priest (Inglaterra),
Respectable Groove (Inglaterra), Rose Consort of
Viols (Inglaterra), Salomon Quartet y Sarband (Alemania), entre
otros.
Una de las principales características de estos grupos es que buscan
rescatar estilos de interpretación e instrumentos propios de la época barroca.
Utilizan afinaciones distintas a las empleadas por las orquestas sinfónicas
actuales, así como tempos y ritmos poco ortodoxos (de acuerdo al cánon que ha
imperado desde finales del S. XIX en Occidente).
hola Rubi, buen intento en tu blog, aquí estamos en un problema serio porque la gran mayoría es el clásico copia y pega, lo mas feo es que es de wikipedia donde les advertí que no quería nada de ahí, precisamente para evitar eso porque lo que necesitaba era que ustedes resumieran y que lo escribieran como si fuera un articulo periodístico, por lo que es tu responsabilidad dejarlo asi o modificarlo.
ResponderEliminarYa cuando tengas tambien tus ejemplos musicales espero tambien no tener problemas, mucho cuidado, saludos
Hola Rubi, bueno ya vi algunas correcciones sobre este periodo cultural, por lo que ahora solo faltan algunos detalles que falta por corregir:
ResponderEliminar1. Precisamente esta es la página donde se encuentra la evidencia que es de wikipedia, sobre todo porque no les quitaste los links que me envían a dicha página web y lo peor es que aunque me vuelvas a engañar y lo trates de corregir posteriormente esto ya te lo volví a corroborar, te sugiero no vuelvas a cometer el mismo error con otros maestros porque ellos lo tomarán como plagio y te puede perjudicar pero que conmigo.
2. Te falta las biografías personales de uno o varios autores
3. Agrega más ejemplos musicales y varialos, que no salgan juntos en un solo video
Esta es la última corrección para la última revisión que es donde viene la calificación final